물병과 사자

에드워드 호퍼 (Edward Hopper: 1882-1967)에 대해서는 나의 길지 않은 블로그 역사 중에서도 몇번이나 다루었다.  개인적으로도 그의 작품을 좋아하지만, 대중적으로나 미술사적으로나 평판도 인기도 좋은 작가이기 때문에 할 말이 원체 많기 때문이다.  

그의 작품은 그의 매니저이자 조수 역할을 톡톡히 해냈던 그의 부인 조세핀 (별칭 Jo)이 그의 사후 대부분 휘트니 미술관에 기증하였다.  따라서 대부분의 그의 주요 작품들은 휘트니 미술관에서 많이 소장하고 있고, 유명한 "나이트 호크스(Nighthawks)"는 시카고 아트 인스티튜트에서 소장하고 있다는 것은 널리 알려진 사실이다.  워낙 인기 있는 화가인데다가 그의 주요 작품들은 이미 유명 미술관에서 소장 중이라 그의 작품이 경매에 나오는 경우는 거의 없었다. 

그런데, 2018년 11월 13일 뉴욕 크리스티 경매에서 에드워드 호퍼의 "찹 수이 (Chop Suey)"(1929년 작)이 $91,875,000 (약 1,040억 상당)에 판매되었다.  이로서 이 작품은 에드워드 호퍼의 작품 중 가장 비싼 작품이 되었다. 역대 경매가로 비교해보자면, 인플레를 고려했을 때, 가격 47위에 해당하는 마크 로스코의 "주황, 빨강, 노랑 (Orange, Red, Yellow)" (1961년작)의 바로 뒤를 잇는 48위에 해당하게 된다. [마크 로스코의 "주황, 빨강, 노랑"은 2012년 같은 뉴욕의 크리스티 경매에서 $86.9-millions [인플레 고려가격 $92.6-millions]에 판매된 바 있다] 

호퍼의 "찹 수이"는 식당 안의 풍경을 묘사하고 있는데, 테이블에서 마주한 두 여인이 화면의 주를 이룬다. 두 여인 모두 화가의 아내인 조세핀을 모델로 한 것으로 알려져 있는데, 밝혀진 바에 따르면 호퍼가 생전에 자주 가던 뉴욕시의 콜럼버스 서클에 위치한 저가의 중국 음식점을 모델로 한 것으로 알려져 있다. 

작품의 제목이 된 찹 수이 (Chop Suey)는 미국화된 중국 음식의 이름 중 하나이자, 그림 속의 간판으로 미루어 식당의 이름이기도 하다.  중국 음식이 현지화 해온 것은 잘 알려진 사실. 찹수이는 그런 관점에서는 미국식 자장면. 조리법에서 보자면, 우리나라의 잡채와 비슷한 음식이다.  찹 수이란 원래 雜碎에서 나온 단어로 미국인이라면 대부분 알고 있는 대중적인 음식에 속한다.  조리법도 비교적 간단해서 고기나 해산물, 그리고 잘게 썬 야채를 볶다가 간장, 참기름, 피쉬 소스, 칠리 페이스트 등 여러가지 소스를 넣어 후루룩 볶은 stir fry라는 총칭으로 불리는 조리법을 사용한 요리다.  

이러한 대중적 음식, 그리고 그 요리 이름을 딴 음식점, 그리고 그 속의 마주한 두 인물.  미국의 일상을 그린다는 점에서는 그의 기존 작품과 일맥상통한다.  하지만, 호퍼의 작품은 당시 미국의 일상과 풍경이긴 하나, 사람 하나 보이지 않는 도심의 일요일 오전 풍경이나 깊은 밤의 간이 식당, 그리고 변두리의 한적한 주유소 등, 현대인의 고독을 도드라지게 표현되게 그려왔다. 따라서, 이 "찹 수이"라는 작품은 호퍼로서는 예외적으로 작품 속에 그려진 인물들이 모두 일행이 있다는 점이 차이가 있는데, 따라서 이 작품은 호퍼의 작품 중에는 가장 따뜻한 작품이라고도 평가되기도 한다. 

Edward Hopper, Chop Suey (1929) oil on canvas ; 81.3 × 96.5 cm  세부 화면 왼쪽 가장자리 중간의 여인의 측면이 절묘하게 잘려나간 것도 재미있는 한 측면. 

오랜 시간 생계를 위해 일러스트레이터로 일하다가 매니저의 역량이 탁월한 아내 조를 만나면서 작품 판매가 순조로워지면서 호퍼는 후반의 작가 생활 동안 경제적으로는 성공한 화가로 자리 잡았다. 하지만, 과묵하고 내성적인 호퍼는 연극과 영화를 보는 것을 무척 좋아하던 그가 극장에 자주 가는 것이 가장 큰 사치라고 밝힐 정도로 경제적인 성공 후에도 검소한 생활을 한 것으로 알려져 있다.  무엇보다 작품에서도 드러나는 그의 세계관은 부귀영화나 세속적 가치에 대한 추구와는 거리가 먼 것이었다.  그러한 호퍼가 지금 살아서 자신의 자그마한 작품이 1천억도 훌쩍 넘는 가격에 거래된 것을 본다면 어떤 생각을 할까?   

이하는 보너스 이미지들

요새 미술 - 제프 쿤스의 표절 Jeff Koons's Plagiarism 

네오팝 아티스트 혹은 차용 작가로 불리는 제프 쿤스는 마르셀 뒤샹과 앤디 워홀의 미학 (그런 것이 있다면)과 담론을 결합하여 극대화 시킨 작가라고 할 수 있다.  뒤샹은 철물점의 소변기를 그대로 사서 엎어 놓더라도 작가의 ‘선택’이 있었다면 작품이 되도록 하면서 예술가들로 하여금 ‘손수’ 무엇인가를 만들지않아도 되도록 만들었다. 워홀은 배고픈 천재 작가의 신화를 벗어던지고 성공한 예술가는 헐리우드 배우만큼의 유명세와 부를 누려도 된다는 것을 몸소 보여주었다.

따라서, 제프 쿤스는 한편으로는 직접 제작하는 수고없이 수많은 조수들에게 일을 시켜 제작하면서 (한때 수백명에 이른 조수들의 수를 최근 수십명 해고 했었다는 것이 뉴스가 되기도 했다), 아이디어를 짜내는 고뇌 따윈 집어치고 광고나 이미 유명한 작품들의 패러디와 차용을 해서 제작하면서, 헐리우드 스타만큼이나 유명세를 톡톡히 누리며 한 시대를 풍미하고 있다.  그는 생존 화가 중 가장 비싼 작품을 제작하는 것으로 유명하기도 하지만, 반면에 일부러 싸구려처럼 보이게 만든 작품은 현대 미술의 ‘질’과 ‘수준’을 염려하는 진지한 미술 비평가와 애호가들에게 늘 비판과 경멸의 대상이 되어왔다.  

제프 쿤스는 게르하르트 리히터와 데미안 허스트와 함께 생존 작가로서는 작품 가격이 가장 높은 작가 랭킹 3위안에 드는 경제적으로 가장 ‘성공적’인 작가이다. 그는 애당초 ‘키치’ (고급 미술에 대응한 개념으로 저질이고 싸구려 미술)를 지향하며 의도적으로 더 싸구려 같고 저질인 작품들을 만들어내며 이율배반적으로 경매에서는 연이어 최고 가격으로 팔아 치워왔다. 

초기에는 일부러 삼류 잡지의 표지와 같은 사진을 작품으로 만들어내거나, 포르노 배우였던 아내와의 성관계 장면을 적나라하게 묘사한 조각을 등신대로 만들어내는 식이었다. 1988년부터는 ‘진부함 (Banailty)’ 시리즈물로 조각품들을 유사한 미감 (이것도 미감이라면)의 작품들을 ‘만들어’ 내고 있다.  여기서 ‘만들어’내는 것은 물론, 그의 공방에 소속한 조수들과 함께 전문 기술자들을 고용해서 말이다. 

그런 제프 쿤스의 ‘의도적’인 저질 미술 혹은 키치 미술은 외설 논란과 함께 종종 법정 소송에 휘말리기도 해왔다. 이번에는 그의 1988년 Fait d’Hiver가 프랑스 의류 나프나프 (Naf-Naf)의 1985년의 광고를 표절했다는 논란끝에 최종적으로 프랑스 법정에서 표절 판결을 받았다.    

광고 크리에이티브 디렉터 프랭크 다비도피치 (Franck Davidovici)가 제기한 소송에 쿤스가 저작권 위반으로 €300,000 (£270,000) [약4억원 상당]을 배상하도록 최종 판결을 받았다. 아이러니 한 점은 제프 쿤스의 이 작품은 2007년 크리스티 경매에서 프라다 재단이 무려 3.7 million (£2.8m) [30억5천만원 상당]에 구매했었다는 사실이다. 

나프나프의 광고를 보면 젊은 여인이 눈 밭에 누워 있는데, 설정상 눈사태의 희생양으로 보이고, 그녀를 구하기 위해서 마치 조난자를 구조하는 세인트 버나드와 같이 돼지가 목에 럼주가 담긴 작은 통을 매고 그녀의 곁에 다가서고 있는 모습이다. 이 작품은 ‘나프나프’가 아기 돼지 삼형제에서 벽돌집을 지었던 막내 돼지의 이름인데서 딴 설정이리라.

두 작품 모두, 조각 작품이라는 유사점 이외에도, 프랭크 다비도비치가 주장한 바대로 소녀의 표정과 목에 통을 매단 돼지가 자신의 작품과 동일함하다. 굳이 전문가의 식견을 묻지 않더라도, 두 작품은 보통 사람들의 눈에도 놀랍도록 유사하다.  제프 쿤스의 경우, 추위를 강조하기 위한 것인 듯, 펭귄 두마리를 덧붙였다는 점, 쿤스의 돼지가 선물 포장의 리본 같은 것을 두르고 있는 것 이외에는 여인과 돼지라는 등장인물과 구도까지 동일하다. 게다가 제목까지 ‘Fait d’Hiver’라는 동일하게 달았는데, 이는 영어로 굳이 번역하자면 “The Fact of the Winter”라고 해석 할 수 있는 뜻이 명확하지는 않은 불어 단어인데, fait divers (‘짧은 뉴스’라는 뜻)와 동일한 발음에서 딴 언어유희이다.   

다비도비치는 제프 쿤스의 작품의 존재를 2014년 퐁피두 센터에 전시되었을 때에서야 비로소 알게 되었다고 하는데, 이 전시로 인해 퐁피두 센터도 2014년 전시로 인해 벌금을 물게 되었다. 1988년 이후 그가 유명 광고 등에서 볼 수 있는 저작권이 있는 이미지들을 이용해서 제작한 쿤스의 ‘Banailty (진부함)’라는 조각 시리즈는 그의 본국인 미국에서 끊임없는 논란을 야기해왔다. 그리고 쿤스에게 프랑스에서의 소송이 처음은 아니었다. 작년에는 제프 쿤스 개인 유한회사인 Jeff Koons LLC가 작고한 프랑스의 사진 작가 장-프랑소아 보레 (Jean-François Bauret)에게 약 5천1백만원 (€40,000)을 배상하도록 판결했다.

제프 쿤스의 “나체 (Naked)”는 1988년 제작된 1미터 남짓한 도자기 조각으로 나체의 두 어린이가 어깨 동무를 한 채, 남자 아이의 오른손에 들려진 꽃을 여자 아이가 자세히 들여다보고 있는 모습이다. 이는 장-프랑소아의 1975년 사진 작품 “어린이 (Enfants)”라는 사진과 몹시 유사한데, 이 작품은 엽서에 사용되었다고 한다. 사진 작품에서는 두 어린이가 꽃을 들고 있지는 않고, 그냥 나란히 서서 어깨 동무를 하고 있는 모습이긴 하지만, 소녀의 숙인 고개의 모습 소년의 시선 등에서 유사하다.   

미국에서의 경우, 여러 논란들이 있었지만, 법정 소송으로 발전한 경우는 없는데 비해, 프랑스 법정은 이 차용미술 재벌 작가에 대해서 그렇게 호의적이지 않은 듯하다.

이는 순수 예술의 역사를 이끌어온 프랑스의 마지막 남은 자존심이라 이해해도 될까?

참고로 제프 쿤스의 다른 작품은 그의 공식 홈페이지에서 살펴볼 수 있다. 왠만한 패션 브랜드보다 잘 꾸며 놓았다.  그의 홈페이지 주소는 여기~ 

http://www.jeffkoons.com/

엊그제 "단순화한 현대미술 한 컷 - Simplified Modern Art"라는 제목으로 일러스트레이션 하나를 올렸다. 내가 그린 것은 아니고, 재치 있는 그림을 늘 올려서 간혹 들러서 작품들을 구경하고는 후훗 즐거워하는 일러스트레이터의 작품.   (참고로 그 포스팅은 여기 http://sleeping-gypsy.tistory.com/75)

거기에 소개된 미술사조는 다음과 같다. 

• Impressionism
• Pointillism
• Art Nouveau 
• Fauvism
• Expressionism
• Cubism
• Futurism
• Dada
• De Stijl 
• Constructivism
• Surrealism
• Abstract Expressionism
• Pop
• Minimalism
• Conceptualism  
• Postmodern art 

실제로 해보면 어떻게 될지 모르지만, 하나씩 소개하는 시간을 가져볼까 생각 중이다. 

오늘은 먼저 빅픽처 소개. 

원래 현대미술의 계보를 처음으로 만든 건 뉴욕의 현대미술관 (MoMA)의 관장이었던 알프레드 H. 바, 주니어 (Alfred H. Barr, Jr.)이다. 그가 그린 계보도는 "입체주의와 추상미술"이라는 전시회의 카탈로그의 표지에 쓰이면서 널리 알려졌고, 이후 거의 모든 개론서나 미술사 수업이 그의 분류에 따르고 있다고 해도 과언이 아니다.  아래가 알프레드 바의 현대미술 계보도. 

이번에는 저번의 ‘튤립 매니아’에 이어 ‘바니타스 정물화’라는 것에 대해서 알아볼까 합니다.

Philippe de Champaigne, Vanitas or Still Life with a Skull, 17th century. Oil on panel, 28 × 37 cm. Musée de Tessé, Le Mans

‘바니타스’라는 라틴어는 영어로는 ‘vanity’에 해당하지만, 이 용어는 ‘헛되고 헛되니 모든 것이 헛되도다 (Vanity of vanities, saith the Preacher, vanity of vanities, all is vanity).’ 라는 전도서의 도입부 (Ecclesiastes 1:2;12:8)에서 유래했다고 한다. 그리고, 바니타스 회화 혹은 바니타스 정물화는 특정 종류의 정물화 장르를 지칭하는 용어로, 이 성서의 구절과 연관하여, 기독교적인 가치의 영원함에 비해서 세속적 삶은 덧없다는 메시지를 전달하기 위한 상징적인 사물들을 그린 정물화라고 정의해볼 수 있다. 

이 장르는 네덜란드의 황금기라고 할 수 있는 17세기의 네덜란드 사실주의 화가들이 발전시켰는데, 이런 의미로 일종의 기독교 예술이라고도 할 수 있다. 

이렇게 된 배경에는 잠시 유럽의 역사를 살펴보자. 

이 시기는 유럽을 오랫동안 지배해온 종교 카톨릭 교회의 부패와 타락에 반발해 야기된 종교 개혁과 이에 따라 카톨릭 교회의 반-종교개혁 대한 반작용으로 이어지는 시기였다. 네덜란드의 경우, 카톨릭 국가였던 스페인의 식민지 통치에 대한 반발로 더 적극적으로 개신교를 받아들였고, 결과적으로 1620-1650년 사이 네덜란드의 부유하고 신실한 중산층들 사이에서 크게 유행했다. 

마틴 루터의 종교개혁 이후 프로테스탄트로 돌아선 네덜란드는 이후 칼뱅이 가세해서 더 이상 부를 축적하는 것에 대해서 죄책감을 느끼지 않게 된다. 이전에는 ‘천국에 들어가는 것이 낙타가 바늘보다 어렵다’고 배워왔다면, 이제는 운명은 신에 의해 이미 결정되었으므로 현세에서 주어진 ‘직업’에 충실해야 한다고 배우게 된다. 그리고 현세의 부귀는 하나님의 축복의 증거라고 여기게 되면서 보다 부위 축적에 대해서 이전보다 훨씬 당당하게 여길 수 있게 된 것이다.  

신이 17세기 네덜란드의 국운에 축복을 증거하셨는지 아닌지는 모르겠지만, 해상무역과 도시화로 인해 생활이 윤택해진 중산층이 많이 늘어난 것은 확실한 사실이다. 주로 상공업에 종사했던 이들은 이전의 귀족이나 교회의 관직자들과 같이 오랫동안 철학이나 예술을 공부하여 조예를 쌓을 만한 시간이나 여력은 없었지만, 예술애호에의 열정은 높았던 것으로 알려져 있다.  

경제적 여유를 갖게 된 중산층은 이제까지 귀족과 왕실가족의 전유물이라고만 여겼던 예술 작품을 소유하는 것에 대해 큰 만족감을 느꼈음에 분명하다. 한 조사에 따르면 중상류층의 가정에는 평균 53점의 작품을, 보통 중산층의 가정도 평균 7점의 작품은 소장하고 있었다고 한다. 이는 작품 크기가 비교적 작았음을 감안하더라도 오늘날 우리의 상황과 비교해봐도 상당한 소장량이라고 볼 수 있다. 그렇다면, 이러한 중산층이 고객의 주를 이루는 가운데, 바니타스 정물화가 유행하게 된 이유는 무엇일까? 이는 여러가지 상황이 겹쳐서 일어난 사회 현상이라고 볼 수 있다.  

먼저 이전까지의 주된 후원자의 위치가 갑자기 공백상태에 놓이게 되었다는 점과 종교개혁 이후 개신교를 받아들인 네덜란드에서는 교회 등에서의 성상 (聖像)이 금지되었다는 것을 지적할 수 있다.   

당시 화가의 입장으로서는 이제까지의 주요 고객층 (?)이었던 교회와 귀족층을 잃게 되면서 이를 대체할 고객층 확보를 모색하는 한편, 이전까지의 노골적으로 종교적이어야만 했던 주제에 대한 대안을 모색하던 중에 개발한 장르라고 볼 수도 있다. 또한 수요자 층의 입자이었던 신교도 중산층으로서는 금욕적인 신교의 교리에 어긋나지 않으면서도 시각적 즐거움과 현세적 성공에 대한 과시를 큰 죄책감 없이 할 수 있는 절묘하고 적절한 주제였을 것이다.   

이전의 대형 커미션의 경우에는, 규모에 있어서나 아카데미에서의 정한 위계에서나 단연 장중한 역사화 – 역사 상의 주요 사건을 묘사하거나, 신화상의 영웅담을 담은 그림이 일순위였다. 그러나, 이제는 일상 생활을 묘사한 소규모의 장르화, 풍경화, 정물화로 옮겨가게 된다. 이는 앞서 언급한 ‘성상을 금지’하는 교리와도 관련되는 것이지만, 주문자의 관심사를 반영한 것이리라. 새로운 후원자들은 상공업에 종사하는 중산층, 이들의 관심사는 생활 밀착형 회화였다는 것이다. 

문제는, 캘빈주의의 영향으로 세속적인 가치를 추구하는 것이 허용되었다고 하나, 검약함은 강력한 미덕으로 자리하고 있었기에, 부를 쌓은 중산층들이 자신들의 부를 과시하고자 하는 욕구와는 상충되는 것. 여기에 멋진 변칙이 들어가게 된다. 이를테면 ‘풍성한 과일과 꽃이 담긴 정물화라도 사치에 탐닉한 어떤 것으로 표현되는 것만 아니면 된다.’ 이런식이다.    

따라서, ‘바니타스 정물화’는 네덜란드 황금기의 번영과 부를 만끽함과 동시에 인생의 덧없음과 도덕성을 상기하는 균형을 획득한 장르화로 자리잡게 된다.    

바니타스 회화의 주제로 사용된 주제들은 대략 다음과 같다. 

1) 가장 대표적이자 원론적인 바니타스 정물화에 주로 다루는 사물들은 단연 해골, 모래시계, 척도계, 시계, 촛불, 꽃 – 인간의 유한함, 피할수 없는 죽음을 상기시키는 대상물이다.  이를 메멘토 모리 (Memento Mori: ‘네가 반드시 죽는다는 것을 기억하라’)의 주제라고도 일컫기도 한다.  

2) 금은 보화, 금화, 지갑 – 직접적으로 부를 상징

3) 파이프, 와인 글래스, 주사위, 트럼프 카드 – 현세적 즐거움을 상징

4) 책, 잉크병과 펜, 지도, 망원경, 지구본 – 현세적 지식을 상징한다.  흔히 탈속적이라고도 여길수 있는 지성에의 추구도 현세적 욕망에 포함시켰다는 점이 흥미롭다.

5) 때로는 악기와 악보를 포함시키기도 하는데, 이는 음악이 머물지 않고 날아가버리는 것이라는 것이라는 이해에서 비롯된 것이다. 

물론 이러한 소재들은 엄격히 나눠져서 그려졌다기 보다는 여러가지 소재들을 경우에 따라 섞어서 그린 그림이 많다.  그리고 화가에 따라 자신의 특기를 발휘하는 차원에서 전문화가 이뤄지기도 한다.  

그 외에도, 껍질을 벗기다 만 레몬 같은 경우, 속껍질 속 알갱이들까지 표현한 섬세함과 정확한 묘사에 놀라게 되는 경우가 많을 것이다. 이 레몬의 상징은 ‘신산한 인생’에 대한 상징이라고. 물론 이 이면에는 화가가 자신의 실력을 과시하고 있다는 측면도 간과할 수는 없다.

바니타스 회화를 보면 지상에서 인간들이 욕망하는 것들, 현세적으로 가치가 있다고 여겨지는 부, 명예, 권력 등이 얼마나 부질없는가, 그리고 인간은 결국 죽음을 피할 수 없는 유한한 존재라는 것을 상기시키는 사물들을 묘사하는 방식을 택하고 있는데, 각각의 사물들은 다 상징적 의미를 지닌다.  

유명한 바니타스 정물 화가들에는 누가 있을까? 하렘 (Haarlem), 델프트 (Delft), 라이덴 (Leiden), 이트렉트 (Utrecht), 도르드렉트 (Dordrecht)와 암스텔담 (Amsterdam) 등지에서 널리 유행했고, 화가들도 대부분 네덜란드인이었다.  

대표작가들로는 Jan Davidszoon de Heem (1606–1684, 혹은 Jan Davidsz de Heem 이라고도 표기됨), Willem Kalf (1622-93), Willem Claesz Heda (1594-1681), Abraham Hendriksz van Beijeren (c. 1620-1690 혹은 Beyeren이라고도 표기됨)이 있다. 

이들은 보통 가족 간에 기술을 전수하는 가내 기업 형태라, 아들 형제들이 함께 화가로 활동한 경우도 많기에 동일한 성을 가진 작가들이 엄청 많다.  게다가 외국어 중에서는 영어에만 익숙한 대부분의 한국사람들에게 이들의 이름의 발음이란 무척이나 어렵고 추측하기도 쉽지 않다 (나도 포함해서).  여기에 영어식 표기와 발음까지 섞이면 더더욱 혼란은 가중된다. 그러니, 이번에는 그냥 그림들만 쭈욱 살펴보는 걸로~.  ^^;;;  

아래는 해골, 모래시계, 척도계, 시계, 촛불, 꽃 등의 메멘토 모리 (Memento Mori)의 주제를 다룬 정물화의 예들

Pieter Claesz, Vanitas Still Life with Oil Lamp and Writing Utensils (1628)

Jan Davidsz. de Heem  (1606–1683/1684), Vase of Flowers (ca. 1645), oil on canvas ; 69.6 × 56.5 cm, National Gallery of Art

 금은 보화, 금화, 지갑 – 직접적으로 부를 상징 - 등이 등장하는 정물화의 예

Evert Collier  (ca. 1640-1708), Vanitas Still-life (1705) oil on canvas ; 98 x 124 cm

Abraham van Beyeren (1620/21–1690), Still Life with Lobster and Fruit, probably early 1650s, Oil on wood; 96.5 x 78.7 cm

Jan Davidsz. de Heem (1606–1683/1684), A Table of Desserts (1640), oil on canvas ; 149 x 203 cm, Louvre   이러한 잔치 음식들을 그린 바니타스 정물화를 특화하여 네덜란드어로는 “Pronkstilleven”, 영어로 말하면 ‘ostentatious', 'ornate' 또는 'sumptuous' still-life라고 하는데, ‘사치스러운 정물화’라는 의미이다. 이러한 독특한 정물화는 1640 년대 앤트워프 지방을 중심으로 발전한 스타일이다.  

Antonio de Pereda  (1611-1678), Allegory of Vanity (1632-36) oil on canvas ; 139.5 x 174 cm, Kunsthistorisches Museum  - 바니타스 정물화에 등장하는 소재들의 종합선물 같은 이 작품은 엄밀히 말해 스페인 작가에 의해 그려진 스페인의 바로크 작품에 해당한다. 이처럼 남 유럽 쪽의 바니타스 정물화에는 천사가 등장하는 경우가 많다.

한동안 비트 코인 신드롬에 대해서 튤립 매니아 (Tulip Mania)와 비유하는 이야기를 많이 들었다. 오늘은 새로운 시리즈 전에 잠시 단편극 형태로 튤립 매니아와 미술사와의 관련에 대해서……

"튤립 매니아" 혹은 "튤립 광풍"이 용어를 역사적으로 살펴보자면, 소위 네덜란드의 ‘황금시대’라고 일컬어지던 시기, 희귀 품종의 튤립의 구근에 엄청난 프리미엄이 붙어 상상을 초월한 고가로 거래되던 시기로 거슬러 올라간다. 당시 그렇게 과열된 투기로 일대 열풍이 일었다가, 1637년 갑자기 가격이 폭락하면서 많은 사람들이 도산하거나 빚더미에 올랐다고 한다.

1636년~37년 사이의 튤립 가격 그래프

이 사회적 현상에 대해, 역사상 최초의 투기가 관련된 버블 사건이라 할 수 있다. 당시 기록에 따르면 특정 품종의 구근 하나의 가격이 크기에 따라 3,000~4,200 길더나 되었다는데, 이 가격은 당시 숙련된 기술공의 1년치 월급이 불과 300 길더였다니, 10년치 월급을 훨씬 웃도는금액이라고 한다.

Admirael van der Eijck from the 1637 catalog of P.Cos., sold for 1045 guilders on February 5, 1637. 1637년 1045 길더에 판매된 튤립. 이게 거의 튤립 광풍의 끝자락의 꽃. 같은 해 열기는 폭삭무너지게 되니까.

이런 투기의 배경에는 우선 식물학의 발전에서 출발했다고 할 수 있다.
카롤러스 클루시우스 (Carolus Clusius)라는 분이 일찌감치 왕실의 개인교사로 일하다가 라이덴 대학의 식물학 교수로 임명되면서 식물학 연구에 혁혁한 공을 세우게 되는데, 그 중 그가 몰두한 분야가 튤립의 연구였다고 한다. 그렇게 연구에 몰두하던 중, 그는 튤립에서 일종의 돌연변이를 발견하게 되고, 그것이 귀족들 사이에서는 수집벽을 불러 일으키게 되는 결과를 낳았다. 오늘날 밝혀진 바로는 그 돌연변이로 알려졌던 희귀품종은 사실은 바이러스에 감염되어 그런 모양이 나온 거라고 하는데, 당시엔 아무도 그 사실을 알지 못했던 것이다.

그리고 웃돈이 붙게 된 배경에는 튤립의 독특한 생태계도 한몫을 했다. 튤립이라는게 원체 씨를 뿌려서 제대로 된 꽃으로 자라는데 무려 4~5년이 넘게 걸린다 한다. 그리고 그렇게 키워도 씨를 받아낸 엄마 꽃과는 다른 모양의 꽃으로 자라는 게 또 함정. 그래서, 보통의 경우, 구근을 받아서 그 구근에서 꽃을 피워야 엄마 꽃과 비슷한 모양이 될 확률이 훨씬 높고, 자라는 시간도 훨씬 단축이 된다고. 그렇지만, 구근이라는게 한 꽃에서 그다지 많이 나올 수 없는 것이고, 구근에서 싹이 나서 잎과 꽃으로 완전히 자라는데 시간이 걸리니, 거기에 웃돈이 막 걸리게 되는 것이다.

게다가 그 구근을 거래 하는 시장이 우리가 상상하는 것처럼 밝은 태양 아래, 꽃이 흐드러지게 핀 아름다운 꽃밭에서 우아하게 이뤄지는것도 아니었다. 거래는 음침하고 은밀한 주점의 뒷방, 담배연기로 가득한 밀실에서 암암리에 은밀하게. 그렇게 음성적인 거래였기에, 나중에 탈이 났을 때, 그 거래에 대한 보상을 받을 기회도 적었다.

어쨌든 한 십수년 네덜란드 전역에 튤립 광풍을 일으키다가 무슨일인지 갑자기 거품이 쫘악 빠지면서 갑자기 가격이 떨어지게 되고, 그로 인해서 판돈을 미리 맡겼던 중산층의 매수인들의 가정이 줄줄이 도산하는 결과를 맞게 되었다고! 국가에서 빚을 탕감하는 정책도 폈다고는 하는데, 피해자들을 다 구제하기에는 역부족이었다. 한동안 뜨거웠던 비트 코인의 열풍을 우려하는 사람들은 아마도 이 튤립 매니아, 튤립 광풍이 역사적으로 되풀이 되는 건 아닌가 염려하는 것이었으리라.

위의 그림은 유명한 화가 피터 브뤼헬 더 엘더의 아들이었던 얀 브뤼헬 더 엘더의 꽃 정물화. 아래는 아이러니하게도 튤립 광풍에 대한 희화화를 그린 브뤼헬인데, 이번엔 피터 브뤼헬 더 엘더의 손자이자 얀 브뤼헬 더 엘더의 아들인 얀 브뤼헬 더 영거의 작품. 아래의 풍자화에서는 상류층의 귀족들이 얼빠진 원숭이들로 묘사되었는데, 이들도 하나같이 튤립에 열광하고 있는 모습을 보이고 있다. 그 중 더 얼빠진 원숭이가 튤립 꽃밭에 오줌을 누는 바람에 붙잡혀서 혼나고 있는 장면도 보이고 있다.

위의 그림은 튤립 광풍에 맥없이 휘둘린 사람들에 대한 풍자화. ‘바보들의 마차’라는 제목의 작품속 인물들을 보면 마차 위의 인물들은 튤립 열풍에 휩싸여 흥청망청하고 있고, 그 마차를 맹목적으로 따르고 있는 인물들도 보인다. 그 마차가 향하고 있는 곳은 죽음의 세계. 결국 멸망의 길로 기꺼이 가고 있는 어리석은 인간들에 대한 신랄한 풍자화이다. 이 작품이 그려진 것이 1637년 인걸 보면, 튤립 가격의 폭락이 있고 나서 그려진 그림일까? 아니면, 그 폭락의 직전, 폭락을 예견한 그림이었던 것일까?

위의 그림은 돌연변이 종으로 크게 인기를 끌었던 젬퍼 아우거스터스 튤립 Semper Augustus tulip 으로 가득 찬 화병이 그려진 작품이다. 이 이상 확실한 인생무상, ‘바니타스’* 교훈의 화병이 또 있을까 싶다. 아이러니한 것은 정작 튤립 시장이 폭락했던 1637년 동안은 꽃의 정물화의 제작이 거의 없었다고 하는데, 그 이유는 무엇일까?

바로~~ 그거슨~~ 꽃들을 볼 때마다 튤립 때문에 돈을 잃은 사람들이 맘이 너~무 아파서 꽃 그림 조차도 보고 싶어하지 않아서였다고.

역사는 반복되는 것일까? 아니면 인간은 역사에서 무엇인가를 배워서 지난 과오는 반복해서 범하지 않는 슬기로운 존재일까? 앞으로 비트 코인의 열풍이 어떤 식으로 전개될 것인지 자못 궁금해진다. 어차피 소심한 나는 그냥 궁금해만 하겠지만.

*바니타스 정물화에 대해서는 글이 너무 길어지는 관계로 다음 기회에 따로 다뤄야겠다. ^^

예술의 전당에서 열렸던 전시회에 관련해서 게재했던 글입니다. 

<모리스 드 블라맹크> 展 - 붓이 지나간 자리에 남은 블라맹크의 열정

https://www.sacticket.co.kr/SacHome/playzine/pzArticle?searchSeq=3627

지난 전시에 대한 글이기는 하나 국내에서는 접하기 힘든 블라맹크 작품들이 소개되었던 전시회였기에, 글로나마 좋은 화가 하나 소개 더 하자하는 맘으로 올립니다. 

붓의 흔적이 생생히 살아있는 작품들의 경우, 화면을 납작하게 표현해버리는 사진만으로는 그 감동을 제대로 전달하기 힘든 경우가 많아요.  혹시나 표현주의적인 작품의 전시회를 보실 기회가 있으시다면 반드시 '직접' 가셔서 한번 전시를 보실 것을 강추합니다. 

가을이 가기전 주말에 미술관 나들이 나가보시는 건 어떠신지요?

현대미술에 관심이 있는 분이라면 푸훗~ 하면서도 과연~ 이라며 즐겁게 공감할 한 컷 소개.

이제 인플레를 고려한 세계에서 가장 비싼 미술 시리즈도 끝났겠다, 이젠 이 그림에서 단순하게 나타낸 사조별로 한번씩 훑어볼까 생각 중.  

세상에서 가장 비싼 작품들 랭킹 연재 계속~ 쭈욱~  

http://sleeping-gypsy.tistory.com/51

가요 순위처럼 인플레 고려한 가격으로 세계에서 가장 비싼 작품들 순위를 20위부터 위로 거슬러 올라가면서 살펴봐 왔고, 오늘 드디어 대망의 1위 발표~  

두구두구두구두구  짠~~~ 

예수 그리스도가 왼손에는 수정구를 들고, 오른손으로는 축복을 내리는 제스춰를 취하고 있는 모습으로 그려져 있는 이 작품은 제목하야 '세계의 구원자, Salvator Mundi'이다. 이 작품은 1500년경 레오나르도 다빈치가 그렸다는 것에 대해 대부분의 전문가들이 인정하고 있는 반면, 일부 전문가들은 여전히 진위 여부에 대한 의문을 제기하고 있는 작품이다.   

오늘날까지 가장 유명한 화가 중 하나인 레오나르도 다빈치다. 대중들에게 널리 알려지고 사랑 받고 있는 대부분의 유명 화가들이 생전에는 가난과 몰이해 속에서 자신만의 예술을 창조하기 위한 고독한 투쟁을 하고, 사후에나 인정을 받곤 했다.  빈센트 반 고흐가 그러하고, 모딜리아니가 그러하다.  하지만, 레오나르도 다빈치는 생전에 이미 최고의 실력자로 인정을 받아 유럽의 각국의 왕실에서 스카우트 경쟁 속에서 행복한 비명을 지르며 살았다.  일설에 따르면, 그의 임종은 프랑소아 1세가 지킨 것으로 알려져 있을 정도인데, 그 사실 여부는 차치하고 그가 왕과 친밀한 관계였음은 분명한 사실이었던 것 같다.  (바사리에 따르면 그의 임종 때, 왕이 그의 머리를 안고 손을 쥐고 있었다고 기록하고 있고, 많은 화가들이 그 장면을 상상하여 그렸으나 그 진위여부는 알려져 있지 않다.) 

그는 우리말로 하자면 팔방미인, 진정한 르네상스 맨이라고 할 수 있는데, 회화와 조각, 그리고 건축은 물론, 과학, 음악, 수학, 공학, 문학, 해부학, 지질학, 천문학, 식물학, 작문, 역사 및 지도 제작 등 그가 관심을 갖지 않은 분야가 없을 정도이다. 1480년 Duke of Milan에 보낸 편지에서 자신의 능력을 어필하면서 군사 공학자라고 강조하기도 했는데, 실제로 그는 여러가지 무기를 고안하기도 했다.  오늘날은 화가로 알려진 그에게 있어서 그림을 그리는 것은 그의 다양한 관심사와 활동 중 극히 일부였을 뿐이었고, 유럽 각지의 러브콜에 이끌려 이리저리 옮겨다니며 완성작은 더더욱 줄어들었다. 오늘날 확실하게 그의 작품이라고 알려진 작품은 20여점에 불과한 이유가 바로 그 때문이다. 

레오나르도 다빈치가 남긴 작품은 적으나, 그의 놀라운 그림 솜씨에 대해서는 전설처럼 여러 이야기가 전해져 내려온다.  될성 부른 나무 떡잎부터 알아본다고, 도제 시절부터 그의 실력은 남달랐다고 한다.  

위의 작품은 초기에 그가 그의 스승인 안드레아 델 베로키오를 도와 어린 제자 레오나르도 다빈치가 그린 작품이다. 이 중에서 레오나르도가 천사 한 명을 그린 것으로 알려졌는데, 스승인 베로키오가 그린 천사가 그 동네 사는 소년같이 그렸던 것에 비해 레오나르도가 그린 그림에는 기품과 신성이 묻어나는 아름다운 소년의 모습으로 그렸다는 평가를 받았다. 이 후 스승은 천사는 그리지 않았다나 어쨌다나....  (레오나르도가 그린 신성이 담긴 아름다운 천사는 아래 두명 중 어느쪽일까요?  궁금하신 분은 맨 아래 정답을 확인하세요~)   

대망의 1위를 차지한 레오나르도의 <세계의 구원자로서의 예수 그리스도>는 2017년 크리스티 경매에서 사우디 아라비아의 황태자가 아부다비의 문화관광부를 대신해서 $451.3-millions (약 5,138억 상당)에 구입한 것으로 되어있다. 2018년 가을에는 아부다비의 루브르에서 전시된다고.   

그의 작품이냐 아니냐에 대한 논란이 있는 작품은 한 두 작품이 아닌데, 이 작품은 최근 대다수의 전문가가 진품으로 인정한 작품 중 하나이다.  최근들어 그의 작품이라고 인정받은 또 하나의 작품이 있는데, 그것은 그 유명한 모나리자의 또 다른 버전.  오랫동안 레오나르도의 위작으로 여겨졌으나, 2015년부터 16년에 거쳐 수많은 검증을 거쳐 비로서 그의 진품임을 인정 받은 작품이다. 루브르의 모나리자와 구별하여 소장자의 거처를 따 Isleworth Mona Lisa라고 불린다. 

사실 우리는 모두 레오나르도 다 빈치와 모나리자를 알고 있다고 생각한다. 하지만, 과연 우리는 얼마나 레오나르도 다빈치에 대해서 알고 있는가?  당시부터 유명했던 그를 둘러싼 전설에 가까운 이야기도 원체 많고, 이후 그를 연구한 학자들은 차고 넘치면서 담론은 더욱더 증가하지만, 대중들은 이미지와 이름으로 워낙 친숙해서 모두가 알기도 전에 질려버려 그다지 더 알고자 하지 않기 때문이다.   

기억하고 넘어가야 할 것은, 그가 남긴 회화의 작품 수는 얼마되지 않지만, 그가 임종을 왕의 무릎위에서 맞이했다는 이야기가 전해질 만큼 생전에 높은 지위를 지녔고 거기에 걸맞는 학식과 견문을 갖춘 만능 학자로서, 이전의 장인의 위치에 있던 화가의 위치를 인문학자의 위치로 끌어올리는데 큰 역할을 한 인물이라는 점이다.   

위의 정답: 레오나르도가 그린 천사는 우리가 바라봤을 때, 왼쪽의 천사. 아름다운 눈빛과 곱슬거리는 빛나는 금발은 이후 그의 작품에서도 잘 드러난다.